El 89% de los encuestados recomendaría Crisol a otros aficionados

El pasado mes de noviembre, los organizadores de Crisol llevaron a cabo una encuesta anónima de satisfacción a los miembros más asiduos del grupo. Los resultados fueron muy positivos con un 89% de los encuestados afirmando que recomendaría el grupo a otros aficionados. Por otro lado, en los apartados de funcionamiento y el ambiente general del grupo se obtenía una respuesta favorable del 91% y del 83% respectivamente.

“En general, me parece un grupo que organiza actividades muy interesantes, que se preocupa por la organización y porque haya un buen ambiente entre la gente; que está abierto a escuchar propuestas y a incorporar nuevas ideas.”

Respecto a los organizadores, la visión de conjunto es positiva. Un 91% considera que los organizadores son accesibles y dispuestos a mejorar el ambiente en las quedadas. La evaluación particular de cada uno de ellos arrojaba que ninguno suspendía en sus valoraciones respectivas.

No es un trabajo, no está remunerado (en el sentido monetario, por lo menos), llevar una quedada impide hacer realmente fotos tal y como uno quiere, entonces, ¿cuál es el objetivo? Cuidado, seguro que hay decenas de ellos, podría pensar en varios ahora mismo, pero ¿cada organizador se lo pregunta? ¿Progresan como individuos?

Las actividades más apreciadas por los encuestados son los photowalks, los talleres de composición fotográfica y los proyectos fotográficos. Señalar que en el caso de los proyectos, si bien no ha sido una actividad que ha tenido una presencia definida en Crisol (Levi comenzó uno pero no lo acabó y los de 2016 estaban por finalizar en el momento de la encuesta), son de las actividades más apreciadas por los miembros.

También decir que es importante limitar la cantidad de gente en cada actividad, si no, no se puede atender a los que más lo necesitan. Pero hay que repetir las actividades e impedir a los mismos volver a ella si ya fueron.

Respecto a las propuestas de nuevas actividades, existe una preponderancia hacia los talleres de todo tipo, incluyendo algunos que se encuentran fuera de la street photography como el modelaje; aunque señalar la demanda de más salidas de street nocturna.

He descubierto gracias a CRISOL un nuevo mundo de posibilidades, por lo que les estaré eternamente agradecido. Suelo ir solo a hacer fotografías, pero el ambiente personal de CRISOL, tanto de sus organizadores como de los participantes es genial y hace que sea acogedor. Sinceramente muchas gracias.”

Sobre la confección de la encuesta

Los criterios de filtro para seleccionar a los miembros que debían rellenar la encuesta fueron: haber asistido a alguna de las quedadas de 2016 (recuerdo) y haber asistido al menos a siete quedadas desde que se dieron de alta (fidelidad). Del universo de las 1000 personas que aproximadamente estaban inscritas en ese momento en Crisol Street Photography, la muestra se redujo a 125 miembros tras aplicar el filtro. De los 125 miembros, 55 rellenaron completamente la encuesta, ofreciendo una tasa de respuesta del 45%.

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Nuevo Proyecto “Madrid en analógico”

Por Marcos Ros

Fue en un cambio de año cuando decidimos desde Crisol Street Photography comenzar a recuperar las cámaras que habían sido de nuestros padres, tíos, hermanos, abuelos… O simplemente a desempolvar las propias que habían quedado en las estanterías disfrutando del sueño de los justos.

Para nuestra fortuna, tuvimos una buena acogida y hemos visto un poco de la historia de la fotografía pasar por nuestros ojos y manos. Hemos visto Leicas (IIIc, M2, M3…) Canons (AE1, 5, 1000F), Nikon FM2, Rolleiflex 3.5F, Lubitel 166B, Olympus OM2, Yashica MG1, Yashica MAT 124G, Olympus SP 35, Agfa Billy, Contax RTS, Yashica FX2… Lo que empezó como una actividad testimonial, con una quedada cada dos meses que era nuestra intención en un primer momento, fue consolidándose poco a poco. Incluso tratamos de lanzar un proyecto utilizando una única cámara (Lubitel 166B), aunque desgraciadamente no supimos llevarlo a buen puerto.

Nuestro organizador Raúl Heras se convirtió en el principal baluarte de la fotografía analógica en Crisol centrándose casi exclusivamente en ella en sus quedadas. Posteriormente, propuso una serie de talleres de fotografía analógica conjuntamente con Sales de Plata que obtuvieron una especial acogida entre nuestros miembros. Además, gracias a otro de nuestro organizadores (Álex), pudimos realizar unos talleres de construcción de una cámara estenopeica que realizamos con el fabricante de NOPO.

Hoy, creemos necesaria la realización del proyecto Madrid en Analógico que lanzamos este mes. Esto supone un paso más dentro de esta trayectoria de recuperación o, mejor, de reencuentro con la fotografía analógica. La idea de estructurar y dar forma a un proyecto fotográfico trata de otorgar un sentido a las quedadas mensuales que hemos estado organizando y a los talleres que hemos realizado como un paso lógico hacia la construcción de algo mucho más grande, sistematizado y canalizado que confiamos que acabe en la forma de una exposición o un fotolibro.

Confiamos en que lo disfrutéis [+ info]

Plaza de los Cubos - © Raúl Heras

Plaza de los Cubos – © Raúl Heras

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La regla sunny (soleada) f/16

Por Marcos Ros

La regla f/16 es una regla nmemotécnica que nos permite disparar sin necesidad de un fotómetro durante el día. Ampliamente usada en la fotografía antes de la llegada de las cámaras con programas semiautomáticos o automáticos, los fotógrafos debían habituarse a ella para realizar sus disparos de forma casi intuitiva.

La regla es sencilla:

“En un día soleado, al mediodía, si seleccionamos una velocidad de obturación lo más cercana a la sensibilidad de la película o sensor, el diafragma que debemos utilizar para una exposición correcta es f/16. Por ejemplo, para ISO 100, dispararíamos a 1/125 segundos y f/16.”

En street photography, y mucho más si estamos disparando en analógico, puede conjuntarse con los disparos utilizando hiperfocal. El conocimiento de la cámara, de las condiciones de luz en el lugar en el que estemos o las circunstancias que nos encontremos y, por supuesto, los conocimientos que poseamos de los pasos de luz nos serán muy útiles para compensar esta regla y poder usarla sin excesivas complicaciones.

Así, los pasos de luz estándares en el caso del diafragma son los siguientes:

f/1,4 – f/2 – f/2,8 – f/4 – f/5,6 – f/8 – f/11 – f/16 – f/22 – f/32

En el caso de la velocidad de obturación, son los siguientes:

1 segundo – ½ – ¼ – ⅛ – 1/15 – 1/30 – 1/60 – 1/125 – 1/250 – 1/500

Debéis saber que estos son pasos estándares de pasos de luz. Actualmente, las cámaras pueden configurarse por medios pasos o tercios de pasos. El fotógrafo también debe tenerlo presente para no equivocarse a la hora de exponer.

Por otro lado, hay que tener presente que el término “soleado” es difuso. Tratando de ser más exacto, “soleado”, se refiere a condiciones de luz muy dura en la ciudad, por ejemplo, un día de agosto a las 12 del mediodía. Por lo que “soleado” en invierno, se aproximará más bien a un valor cercano a f/8 – f/11 en la ciudad.

Por supuesto que si el cielo está nublado, tendremos menos luz, por lo que o bien abrimos diafragma (disminuimos sus valores) o bien aumentamos la velocidad de obturación (damos más tiempo). En este caso, debemos tener presente la correlación entre velocidad de obturación y la distancia focal del objetivo. En general, para que una foto no salga trepidada (movida) debemos mantener la velocidad en un número similar a la focal. Así, si disparamos con una focal de 35mm, deberemos mantenernos a una velocidad de obturación superior a 1/30. En el caso de que montemos una focal de 50mm, deberíamos mantenernos en valores superiores a 1/60 y así.

Una tabla-guía con los diafragmas recomendados atendiendo a las condiciones de luz son los siguientes:

regla_f16

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El proyecto fotográfico del “Central Park” de Bruce Davidson

Por Marcos Ros

Al igual que cuando visitamos un lugar para realizar fotos (un país extranjero) deberíamos realizar una tarea de documentación previo para conocer a los autores, la cultura visual, los lugares y el tipo de fotografía que se puede realizar en aquel lugar; no está demás acercarse a otros autores que hayan podido realizar un trabajo como el que podamos estar realizando.

Como bien sabéis, en Crisol, estamos realizando un proyecto anual denominado “Un año de Retiro” en el que estamos intentado reflejar la vida del parque madrileño del Retiro durante 2016. Por ello, creo interesante revisitar la obra de Bruce Davidson (Illinois, 1933) que realizó al Central Park de Nueva York en los años 90 y que al igual que nuestro proyecto se realizó en blanco y negro.

USA. New York City. 1992. Horseback riders and bridge in Central Park. - © Bruce Davidson

USA. New York City. 1992. Horseback riders and bridge in Central Park. – © Bruce Davidson

El fotógrafo de la agencia Magnum comenzó a trabajar en él en 1991 cuando recibió un encargo de National Geographic. En un primer momento, realiza las fotografías en color debido a la insistencia de la revista y el resultado no es satisfactorio (hay que tener presente que Davidson trabaja fundamentalmente en blanco y negro) para la revista que considera asignarle el trabajo a otro fotógrafo. Davidson aseveró que “fui un buen chico y disparé 500 carretes de Kodachrome que odiaron”, en medio de la frustración del rechazo y de la posibilidad de que otro rehiciese el trabajo, Davidson volvió al blanco y negro y trabajó durante tres años más.

USA. New York City. 1992. Central Park. - © Bruce Davidson

USA. New York City. 1992. Central Park. – © Bruce Davidson

Trabajando en distintos formatos, panorámica (Noblex 120 Panoramic), cuadrada (Hasselblad) y en formato de 35mm; Davidson se esmera en darle una identidad visual al corazón verde de la Gran Manzana. Las composiciones, los temas a abordar dan cierto ritmo intrépido a este trabajo, descubriendo multiplicidad de misterios, excentricidades y personajes desvelando el microcosmos de una ciudad donde el Central Park es el corazón.

USA. New York City. 1992. Central Park. - © Bruce Davidson

USA. New York City. 1992. Central Park. – © Bruce Davidson

Por otro lado, en el proyecto de Central Park, Davidson nos da un consejo de cómo poder abordar a la gente para poder realizarles una foto.

USA. New York City. 1992. Central Park. - © Bruce Davidson

USA. New York City. 1992. Central Park. – © Bruce Davidson

“There’s a picture in my central park of a woman in a full-length mink coat with 2 little white dogs sitting on a park bench in the winter in Central Park. Now, the way i approached he was, ‘Those are really sweet dogs, what kind of dogs are they?” she said, they are my boo-boos. I said oh I would love to take a photo of your dogs. Can I take a photo of your dogs? Sure. Can I take a picture of you with your dogs? Sure. If I went up to her straight away asking if i could take a photo of her with her dogs, she would be scared. There would be no intercourse.” – Bruce Davidson

El trabajo fue publicado finalmente en 1995 por Aperture y tuvo distintas ediciones a lo largo de los años, siendo reeditado por Steidl en una caja de lujo junto con otras grandes obras del fotógrafo americano.

USA. New York City. 1992. Central Park. - © Bruce Davidson

USA. New York City. 1992. Central Park. – © Bruce Davidson

Más fotos y más info del proyecto en Central Park en la web de Magnum. Además, en la Fundación Mapfre de Madrid tenéis la posibilidad de visitar una retrospectiva del fotógrafo (muy interesante, la verdad) en la que se incluyen algunas de las fotos de este mismo proyecto junto a otras fotografías de otros.

USA. New York City. 1992. Lola in Central Park with birds and snow. - © Bruce Davidson

USA. New York City. 1992. Lola in Central Park with birds and snow. – © Bruce Davidson

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Street photography para tímidos

Por Marcos Ros

La fotografía callejera es difícil, muy difícil. Ya no sólo se trata de obtener una buena composición, si no que debemos delatarnos cuando situamos la cámara en nuestro ojo denotando intencionalidad, un poco de agresión y de apropiación; y porqué no subversión.

©Marcos Ros

© Marcos Ros

La fotografía callejera es socialmente extraña. Estamos constantemente controlados por las grandes compañías (telefónicas, tecnológicas y redes sociales) por el Estado y por empresas (cámaras de videovigilancia), nos exhibimos conscientemente en Instragram con nuestros selfies y el próximo plato que vamos a degustar, por dónde hemos pasado, con quién hemos estado… Pero que alguien ajeno tome una fotografía nuestra es una agresión, genera inquietud. Es cierto que actualmente pueden hacernos “robados” (aunque deberíais olvidar que he escrito ese término) sin que nos percatemos de ello gracias a los teléfonos móviles, sin embargo que alguien se lleve la cámara a la cara lo entendemos como un acto censurable. Desgraciadamente, la privacidad es algo obsoleto, sin embargo los street photographers debemos luchar contra esos miedos para intentar generar un tipo de arte que no siempre es bien entendido.

© Marcos Ros

© Marcos Ros

No voy a aleccionar aquí sobre qué es la street photography. Para mí, hay buenas y malas fotos, simplemente y si se quiere una serie de buenas y malas fotos. Qué es la “street” lo dejo para los academicistas teóricos que tratan de desentrañar el porqué hacemos lo que hacemos. Aunque es sencillo, vivimos en una ciudad y tratamos de representarla con mayor o menor fortuna.

© Marcos Ros

© Marcos Ros

Pero todos los principios son difíciles. No es fácil para el que empieza comenzar a disparar a todo el que se le cruza sin creer que se llevará una reprimenda. Así que para aquellos fotógrafos que empiezan o que sienten que nunca podrán desarrollar un estilo en la street photography, permitidme que os dé una serie de consejos.

  1. Dejaos ver. No está demás mostraros lo que estáis haciendo. Paraos en una esquina y mirad, observad sin deteneros en nada ni en nadie. Haced fotos, sed parte de esa escena, naturalizaros en ella. Nadie os llamará la atención si consideran que “no estáis haciendo nada hacia nadie en particular”.
  2. Sonreid. Las sonrisas son contagiosas, sed conscientes. Las sonrisas sirven para relajar el ambiente y para mostrar empatía. Sonreid siempre y los viandantes, los retratados, simpatizarán con vosotros.
  3. Componed. Buscad un buen fondo, seguid algunas líneas, construidlas vosotros con la mirada, moviéndoos por la escena y después situad algún elemento para darle humanidad, darle un elemento de calle.
  4. No discutáis. Una fotografía no merece la pena si nuestra cámara acaba en el suelo. No sois fotoperiodistas, sois “artistas”. Si alguien no quiere aparecer en una foto, tiene su derecho. Se borra y que cada cual siga su camino.
  5. Encontrad la fotografía que realmente os gusta hacer y el equipo con el que estáis cómodos. Lo importante es la imagen no el equipo con el que se tomó.

Con todo esto, lo que quiero transmitiros es que no todo el mundo es capaz de utilizar un 28mm y plantarle la cámara a una persona como hace Bruce Gilden por las calles de Nueva York. Por supuesto que hay otro tipo de fotografía totalmente válida y menos agresiva. Más reflexiva, más pensada. Os recomiendo tres ejemplos para que echéis un vistazo. Son los fotógrafos Ernst P. Sanz, Antonio E. Ojeda o Andrés C. que bien os pueden inspirar si todavía os coarta hacer fotografía callejera.

© Marcos Ros

© Marcos Ros

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